Punto de Vista
La
propuesta de esta sección apunta a dar una muestra del circuito internacional
de festivales 2005-2006, tanto independientes como de
Es
interesante constatar la multiplicidad de obras que se exhiben en la sección.
Así, conviven óperas primas -The boy on
a galloping horse (Adam Guzinski, Polonia), The unforgiven (Yoon Jong-bin, Corea del Sur), entre otras-, con
obras de directores consagrados -Manoel de Oliveira, Bruno Dumont y Lars von Traer-.
Sin embargo, la programación parece constituirse como amplio muestrario,
abarcando la mayor cantidad de variantes posibles, siendo reflejo de la
diversidad que presenta el campo cinematográfico en la actualidad, pero siempre
respetando el sello de autor. Las propuestas emergen con claros presupuestos
estéticos y, en varios casos, plantean una fuerte postura ideológica. La mirada
de los autores se proyecta en sus obras, implicando en ellas la filosofía, la
historia, la política que los compromete.
Belle Toujours
Por Leticia Paz
El veterano director portugués Manoel de
Oliveira, a sus 98 años, decide rendirle tributo a Luis Buñuel, al guionista
Jean-Claude Carrière, y al film de ambos Belle
de Jour, para lo cual continúa la trama treinta y ocho años después,
conservando al actor protagonista, Michel Picolí (Catherine Denueve es reemplazada
por la actriz francesa Bulle Ogier).
El
Sr. Husson y Séverine se cruzan por casualidad en un concierto, y aunque ella
lo reconoce, lo evita; él la sigue y logra que acepte una invitación a cenar, a
cambio de su confesión.
Ella
esconde un secreto: hace muchos años, mientras estaba felizmente casada con
Pierre, llevaba una doble vida trabajando diariamente en una casa de citas.
Husson la descubre y le dice que ha decidido contarle todo a su esposo, ahora
postrado en una silla de ruedas, mudo y casi ciego a causa del violento ataque
de Marcel, amante de Séverine. Pero, ¿Pierre supo alguna vez la verdad?. Husson
disfruta del sufrimiento y ansiedad de Séverine: al fin puede vengarse de quien
tantas veces lo despreció.
De
sólo setenta minutos, con pocas acciones y muchos monólogos de su protagonista,
la película logra poner al espectador en la misma posición de Séverine. Queremos
saber la verdad tanto, o incluso más que ella.
Belle Toujours,
Portugal/Francia, 2006
Dirección: Manoel de Oliveira
Guión: Manoel de Oliveira, inspirado
en el libro de Joseph Kessel
Producción: Miguel
Cadhile –Portugal- Filmbox Produçōes, Serge Lalou –Francia-Les Films d’Ici
Productoras: Filmbox Produçōes, Instituto do Cinema, Audiovisual e
Multimedia (ICAM), Les Films d’Ici
Fotografía: Sabine Lancelin
Dirección de Arte: Christian Marti
Vestuario: Milena Canonero
Montaje: Valérie Loiseleux
Sonido: Mikaël Barre, Jean-Pierre
Laforce, Ricardo Leal, Henri Maïkoff
Música: Dvorjak
Intérpretes: Michel Piccoli, Bulle Ogier, Ricardo
Trêpa, Leonor Baldaque, Júlia Buisel
Flandres
"Aquello
fue un infierno", único comentario que Demester hará sobre su experiencia
en la guerra al volver a su granja. Junto con Blondel y otros jóvenes, se vió
forzado a enlistarse en el ejército y combatir en algún país desértico (¿tal
vez IraK?), abandonando así a Barbe, su amiga de la infancia y ocasional
amante, a la que ama en secreto. Lejos de su hogar, Demester se convertirá en
un ser dispuesto a cometer todo tipo de atrocidades para mantenerse con vida y
volver a salvo a su apacible vida campestre y a los brazos de su amada.
Esta
película sobre los cambios que produce en un hombre la experiencia de la
guerra, por momentos roza la inmoralidad y el mal gusto, al denotar voyeurismo
y pornografía (1). Dumont parece no haber tenido en cuenta los consejos de Rivette,
"hay cosas que no deben abordarse si no es con cierto temor y
estremecimiento(…)" (2), al intentar representar la violencia de la guerra
por medio de cruentas escenas de asesinatos, mutilaciones y violaciones. Flandres se debate entre shockear al espectador
y, a la vez, hacerlo comprender lo difícil que es para cualquiera -en este
caso, para un joven granjero devenido en soldado- arriesgar la vida en una
guerra, buscando así la compasión y la empatía con Demester.
(1) Rivette,
J.: "De la abyección". En: Teoría
y crítica del cine. Avatares de una cinefilia. Pequeña antología de Cahiers du
Cinéma 3. Paidós, Buenos Aires, 2005.
(2) Rivette, J. Op. Cit.,
p. 37.
Flandres,
Francia, 2006
Dirección: Bruno Dumont
Guión: Bruno Dumont
Producción: Jean Bréhat, Rachid Bouchareb
Productoras: 3B Productions, Arte France Cinéma
Fotografía: Yves Cape
Vestuario: Alexandra
Charles
Montaje: Guy Lecorne
Sonido: Philippe
Lecoeur, Pierre Choukroun
Música: Philippe
Lecoeur
Intérpretes: Adélaïde Leroux, Samuel Borden, Henri
Cretel
Fresh
air
Por Leticia Paz
Una
historia sencilla: Viola, madre soltera y trabajadora, obsesiva de la limpieza
y asidua concurrente a reuniones de solos y solas, vive con su hija Ángela, una
adolescente que sueña con estudiar diseño de indumentaria y vivir en Roma.
Aunque comparten departamento, no existe entre ellas comunicación alguna.
Debido a que sus horarios de trabajo y estudio son diferentes, ni siquiera se
cruzan, sólo comparten el fanatismo por una serie televisiva, que ven juntas
sentadas en el sillón del living pero sin mediar palabra. Son dos planetas
girando en órbita, cada uno con elementos particulares que les dan una
identidad propia, la cual es subrayada -burdamente- en la pantalla por un uso
particular de los colores: todo lo correspondiente a Viola es rojo, y lo de
Ángela es verde, lo cual sumado a la abundancia de planos fijos perfectamente
centrados, transmiten esa idea de soledad que parece embargar el alma de las
protagonistas. Sobre el final, ante la necesidad de superar el mal momento por
el que atraviesan (Viola es hospitalizada luego de haber sido violentamente
golpeada al intentar defenderse de un robo, lo cual le impide volver al trabajo
y hace peligrar su puesto), se produce una fusión de ambos caracteres en el cuerpo
de Ángela, cerrando así el film con una mirada a cámara - una mirada hacia la
nada, hacia el vacío, una mirada perdida-, que no tiene ninguna fuerza
argumental ni emotiva.
Friss levegö, Hungría, 2006
Dirección: Ágnes Kocsis, Andrea Roberti
Guión: Ágnes Kocsis, Andrea Roberti
Producción:
Ferenc Pusztai, KMH
Film,
Fotografía:
Adám Fillenz
Vestuario: Fanni Halmi
Montaje: Tamás Kollánvi
Sonido: Attila Madaras
Música: Bálint Kovács
Intérpretes: Izabella Hegyi, Júlia Nyakó, Antia
Turóczi, Zoltán Kiss, Béla Stubnya
Grbavica
Por Leticia Paz
Esma
y su hija Sara viven en el barrio de
Grbavica, en Sarajevo, donde la vida está siendo recompuesta poco a poco luego
de
La
película de Jasmila Zbanic pone en el candelero un tema tan difícil como
doloroso: la vida luego de la tragedia. Transcurre diez años después de la
guerra; aún son visibles sus consecuencias: edificios en ruinas, huérfanos
hijos de mártires, heridas abiertas que no cicatrizan.
Esma
asiste a un grupo de autoayuda, donde otras mujeres cuentan sus terribles
experiencias y, aunque suele permanecer
callada, luego de confesarle a su hija que su concepción fue el resultado de
una violación en el campo de prisioneros -en una escena violentamente
desgarradora-, comienza a contar sus vivencias durante la guerra. Este primer
paso para vencer sus terribles traumas es acompañado por una escena final en la
que madre e hija parecen comprenderse y recomponer su dañada relación.
Con
una estética cuidada, evitando los golpes bajos y aludiendo al pasado sin
recurrir a los flashbacks, el relato delinea la historia de Esma y Sara que,
aunque conmueve, permite el necesario distanciamiento para encuadrarla en un
marco más amplio, el de una sociedad que, abatida por la guerra, se esfuerza
por superar un pasado lleno de horror y sangre derramada. Sin intentar la
dramatización de lo acontecido ni una mirada retrospectiva de aquel dolor, es
desde el presente que Grbavica nos
habla sobre el destino de los sobrevivientes.
Grbavica,
Austria/Bosnia/Herzegovina/Alemania/Croacia, 2005
Dirección: Jasmila Zbanic
Guión: Jasmila Zbanic
Producción: Barbara Albert, Damir
Ibrahimovic, Bruno Wagner
Fotografía: Christine A. Maier
Montaje: Niki Mossböck
Sonido: Igor Camo, Tom Weber
Música: Enes Zlatar
Intérpretes: Mirjana Karanovic, Luna Mijovic, Leon Lucev
The
boss of it all
Por Griselda Soriano
En The boss of it all, el dueño de una empresa, que sólo
quiere que lo quieran, se hace pasar por uno más de los empleados,
atribuyéndole todas las medidas desagradables que debe tomar a un omnipresente
pero nunca conocido por nadie “jefe de todo esto”. Este planteo inicial, ya de
por sí absurdo, se torna aún más hilarante con la llegada de un actor al que el
jefe “encubierto” contrata para personificar a esta autoridad invisible, lo
cual desencadena una serie de gags y
situaciones ridículas dignas de la mejor comedia de enredos, que a la vez son
una reflexión acerca del poder, y también acerca de la actuación y el mundo del
teatro.
Con un particular uso del montaje, y
con la “desprolijidad” a la hora del encuadre y la habilidad para la dirección
de actores que lo caracterizan, Von Trier construye un film interesante y muy
divertido en el que hasta se da el gusto de hacerse presente a través de una
voz en off que va comentando la
historia, y demuestra que, dejando de lado su habitual deseo de provocación, puede ser un realizador inteligente.
The boss of
it all, Reino Unido/Austria/Países Bajos,
2006.
100´
Director: Lars von Trier
Guión: Lars von Trier
Producción: Meta Louise Foldager, Vibeke Windeløv, Signe Jensen, Lene Børglum,
Zentropa Entertainments21 ApS
Fotografía: Lars von Trier
Dirección de Arte: Simone Grau
Sonido: Kristian Eidnes Andersen
Montaje: Molly Malene Stensgaard
Elenco: Jens Albinus, Jean-Marc Barr, Casper Christensen, Benedikt Erlingsson,
Fridrik Thór Fridriksson, Peter Gantzler
The pervert's guide to cinema
Por Leticia Paz
Decía
Jean-Luc Godard, en una entrevista del 22 de marzo de 2000: "Las películas
son la única cosa de la que todo el mundo puede hablar sin que ello moleste.
(…) El cine es como el fútbol: nadie duda en dar su opinión" (1). Sin
embargo, en Manual de cine para
pervertidos es Slavoj Zizek, uno de los filósofos y psicoanalistas
contemporáneos de mayor renombre, quien nos habla de cine. Dividido en tres
episodios de cincuenta minutos cada uno, este documental nos propone un
recorrido por gran parte de la cinematografía mundial, donde nuestro
guía-narrador es el propio Zizek, quien, postulando riesgosas hipótesis, ofrece
al espectador interpretaciones(que podrían ser consideradas de
pseudo-psicoanalíticas) de escenas clásicas.
Por
momentos hilarante, sobre todo cuando Zizek entra a formar parte de las
películas que “psicoanaliza”, el film plantea que la perversión del cine
residiría en el hecho de que nos enseña cómo desear en lugar de enseñarnos qué
desear, para luego desarrollar diversas temáticas en cada uno de los episodios:
el cinematógrafo como una máquina de crear ilusiones, la relación
cine-realidad, el complejo de Edipo, la pulsión de muerte, la fantasías y lo
fantasmático, etc. Son muchas las filmografías a las que echa mano para
fundamentar e ilustrar sus ideas, pero por la constante recurrencia a ellas
sobresalen las películas de Alfred Hitchcock y David Lynch.
(1)
Godard, J.L.:
"Futuro(s) del cine. Entrevista con Jean-Luc Godard. Declaraciones
recogidas por Emmanuel Burdeau y Charles Tesson, 22 de marzo de 2000. En: Teoría y crítica del cine. Avatares de una
cinefilia. Pequeña antología de Cahiers du Cinéma 3. Paidós, Buenos Aires,
2005. p. 200.
The pervert's guide
to cinema, Reino Unido/Austria/Holanda/Eslovenia, 2006
150´
Dirección:
Sophie Fiennes
Guión: Slavoj Zizek
Producción:
Martin Rosenbaum, The Kasander Film Company, Amoeba Film,
Mischief Films, Lone Star Productions (
Fotografía: Remko Schnorr
Montaje:
Ethel Shepherd
Sonido:
Ab Grooters
Música:
Brian Eno
Intérpretes: Slavoj Zizek
The unforgiven
Por Leticia Paz
¿Podría
uno perdonarse por ir en contra de sus principios?, ¿disculparse por haberse
convertido, al menos por un momento, en aquello que siempre rechazó y vivir con
las consecuencias? ¿Es posible entender que algunas circunstancias nos hacen
actuar de maneras que creemos incorrectas, sin que por ello dejemos de ser quienes
somos? ¿Podría un único error borrar todos nuestras actitudes anteriores
desencadenando una serie de eventos funestos? Estas son algunas de las preguntas que
plantea esta ópera prima de Yoon Jong-bin, al narrar las vicisitudes de los
jóvenes soldados coreanos enlistados en el servicio militar obligatorio,
describiendo con gran sensibilidad, pero prescindiendo de golpes bajos, la humillación, degradación y desprecio
con que son tratados por sus superiores.
Así, la historia se centra en la relación que Seng-Young, un estudiante
universitario en franco desacuerdo con la manera en que los superiores (mal)tratan
a sus subordinados, que establece con su superior Tae-Jung, antiguo compañero y
amigo del secundario.
A
través de constantes saltos en el tiempo -se intercalan escenas del día de
descanso de Seng-Young con sus casi dos años de servicio militar-, vamos viendo
su evolución y la de su relación con los demás soldados: comienza siendo un
idealista que sueña con cambiar las relaciones jerárquicas de la milicia, para
terminar aceptando las reglas del juego en pos de sobrevivir. Sería arriesgado
tildar de homosexual la relación que establece con Tae-Jung, ya que Seng-Young
parece estar buscando más un mentor, alguien que los ayude a lidiar con sus
conflictos internos, que un amante.
La
estructura del relato, el recurso de los saltos temporales y la repetición,
sobre el final, de una escena -mientras que la primera vez vemos a los
protagonistas de frente, la segunda lo hacemos de espaldas-, está al servicio
de esta potente historia, de un joven coreano en la milicia, impidiendo una
total identificación con los protagonistas, pero, aún así, posibilitando una
mirada reflexiva.
Yongseobadji
mothan ja, Corea del Sur, 2005
Dirección:
Jong-Bin Yoon
Guión:
Jong-Bin Yoon
Producción: Yong-bae Choi y Dong-joon Lee
Fotografía: Byung-Chul Kim
Dirección de Arte: Jong-Bin Yoon, Sang-Bum Sohn
Montaje: Woo-il
Kim
Sonido:
Jong-Bin Yoon
Intérpretes: Jang-won Suh, Jung-woo Ha, Jong-bi Yoon
This film is not yet rated
Por Pamela Gionco
Este
film, a pesar de lo que declara su título, sí está clasificado.
This
film is not rated es el séptimo documental de Kirby Dick. Con un
montaje más cercano a lo televisivo, lo original de la denuncia que hace contra
la institución que decide el futuro de los films dentro del circuito comercial,
es la necesidad de revelar lo oculto. Los miembros de la asociación son
secretos, así como también sus criterios, reuniones y debates. Dick contrata a
una detective privada para averiguar quiénes son, revelando conexiones con los
grandes estudios de Hollywood. En el proceso, prestarán su testimonio en contra
de
La denuncia se hace más ácida cuando Dick intenta
presentar este mismo film para su clasificación (como debe hacerlo todo film
que se estrene en EE. UU.), demostrando las incoherencias del sistema.
This film is not yet rated, EE. UU., 2005
Dirección: Kirby Dick
Guión: Kirby
Dick, Eddie Schmidt
Producción: Eddie Schmidt, Alison Palmer Bourke, Evan Shapiro, Michael Donaldson,
Lisa Callif, Donaldson & Hart
Fotografía: Shana Hagan, Kirsten Johnson ,
Allan Palmer, Amy Vincent
Montaje:
Matthew Clarke
Sonido: Frank
Smathers
Música: Dondi Bastone
To get to heaven first you have to
die
Por Leticia Paz
La
película de Usmonov cuenta la historia de Kamal, un veinteañero provinciano
con problemas de erección. Al viajar a la ciudad para consultar con un
especialista sobre la imposibilidad de desvirgar a su joven esposa, y descubrir
que esta incapacidad no es producto de impedimento físico alguno, decide
retrasar la vuelta a su pueblo. De visita en la casa de su primo, y siguiendo
su consejo, intenta sin éxito mantener relaciones sexuales con una prostituta.
Kamal no coincide con las ideas de su primo, un playboy habituado a engañar a
su esposa y pagar por sexo, y parece preferir pasear en autobús, elegir al azar
mujeres y seguirlas, intentando que ellas se fijen en él, para finalmente poder
"curarse".
Así,
seguimos a Kamal a través de distintos viajes en ómnibus, viajes de
autoconocimiento pero también de
búsqueda de aquello que cree poder encontrar paseando por la ciudad, ¿acaso
cree en el amor a primera vista?, o ¿sólo
busca a una mujer con la cual no tenga tanta intimidad como con su
esposa pero sí más que con una profesional del sexo, creyendo que esto le
permitiría lograr un buen desempeño sexual? En uno de sus viajes, conoce a
Vera, obrera de una fábrica, con la cual tendrá sexo, pero no sin antes verse
implicado en actos delictivos, convirtiéndose así en un criminal.
Un
relato en el que abundan los planos fijos, los silencios, los espacios vacíos,
los tiempos muertos, imprime al film un tono serio, incluso, por momento,
solemne, que contrasta bruscamente con muchas de las situaciones (la consulta al
médico, el fiasco con la prostituta, la "confesión" de su impotencia
al marido de Vera, etc.) por la que atraviesa el patético Kamal.
Bihisht
faqat baroi murdagon, Francia/Tayikistán/Alemania/Suiza,
2006
95´
Dirección: Djamshed Usmonov
Guión:
Djamshed Usmonov
Producción: Denis Carot, Marie Masmonteil
Fotografía: Pascal Lagriffoul
Dirección de Arte: Maslodov Farosatshoev
Montaje: Jacques Comets
Sonido: Patrick Becker
Música:
Pierre Aviat
Intérpretes: Khurched Golibekov, Dinara Droukavora, Maruf
Pulodzoda
Vitus
Por Leticia Paz
Esta
historia no es nueva: Vitus es un niño prodigio de sólo cinco que años toca el
piano con maestría y lee enciclopedias mientras sus compañeros del jardín estás
aprendiendo a escribir. Sus padres vislumbran un gran futuro para él, por lo
cual lo obligan a tomar clases particulares y le exigen que practique a diario.
Paulatinamente, Vitus va descubriendo que no es tan genial ser más inteligente
que el resto -es rechazado tanto por sus compañeros de clase como por los
profesores, a los que desafía constantemente mostrando su superioridad
intelectual- y que prefiere pasar más tiempo en el taller de su abuelo y llevar
una vida normal. Idea un plan para engañar a padres y expertos: finge un
accidente que incluye un fuerte golpe en la cabeza, lo cual le permite simular
una disminución de su coeficiente intelectual, logrando así tener el control de
su propia vida.
Con
las actuaciones destacadas de Frabrizio Borsani y Teo Gheorghiu interpretando
al protagonista, y la participación de Bruno Ganz en el papel de un muy
particular abuelo, sumadas a una corrección formal, Vitus entretiene haciéndonos partícipes de un mundo ideal en el que
casi todo es posible, si somos lo bastante inteligentes y valientes para asumir
nuestra propia identidad y arriesgarnos a buscar la felicidad.
Vitus, Suiza,
2006
100´
Dirección: Fredi M. Murer
Guión: Peter Luisi, Fredi M. Murer,
Lukas B. Suter
Producción: Christian Davi, Christof
Neracher, Fredi M. Murer, Vitusfilm GMBH
Fotografía: Pio Corradi
Dirección de Arte: Susanne Jauch
Montaje:
Myriam Flury
Sonido:
Patrick Storck
Música:
Mario Beretta
Intérpretes: Teo Gheorghiu, Fabrizio Borsani, Julika Jenkins,
Urs Jucker, Bruno Ganz, Kristina Lykowa, Tamara Scarpellini
