El cine que fue y el que es
8º MARFICI, Festival Internacional de Cine Independiente de Mar del Plata


    Del 12 al 19 de mayo se llevó a cabo la 8º edición del MARFICI, Festival Internacional de Cine Independiente de Mar del Plata, en el que se proyectaron 74 títulos divididos en ocho secciones, dos de ellas competitivas, Competencia Internacional de Documentales y Cortometrajes Argentinos. A éstas se sumaron Historias Políticas de la Memoria, Mala Praxis, Desencuadres, el ya clásico Ciclo de Cine Inusual, un homenaje a Jean Rouch y un foco sobre la obra de los directores Néstor Frenkel y Uli Schueppel. 
    El festival, si bien es concebido desde una modesta concepción formal y acarrea algunas desprolijidades, resulta sin dudas un espacio necesario en el panorama expresivo de la ciudad, tanto por la rigurosa aproximación que brinda a obras que intentan concitar la atención del espectador hacia un corpus fílmico de difícil acceso al circuito local, como por instalar la discusión sobre los alcances y circulación del cine independiente/arte en la era de las plataformas digitales, la descarga de películas por Internet y el indudable replanteo de los canales de distribución.
    Es que la existencia del Marfici nos interpela por el futuro de todo un cine que no responde al canon habitual de las majors y las cadenas de distribución, un cine de autor en gran medida marginal ante los circuitos comerciales, que nos plantea el complejo entramado que interviene desde la génesis conceptual de un proyecto cinematográfico hasta la posibilidad concreta de su exhibición.
    Entonces ¿resultan éstos festivales la última morada para los filmes de arte, independientes, de autor, el refugio que guarece en la montaña cinematográfica ante la lenta extinción de las salas de arte frente al creciente influjo de la virtualidad?
    Pregunta sin aparente respuesta, resulta el marco contextual desde donde escribir sin añoranza por el legado de grandes autores, sus epígonos o los movimientos del pasado. Así podremos entender los escenarios de apropiación que brindan las nuevas tecnologías, las dinámicas propias que imponen sus formas de consumo y circulación en el territorio digital, los nuevos espectadores y su relación con las múltiples pantallas, situadas hoy mayoritariamente fuera de las salas de cine.



El mundo que fue y el que es

    No resulta casual que la película elegida para la apertura fuera El mundo que fue y el que es (2011) de Pablo Llorca, realizada sin apoyos ni subvenciones con su propia productora, incluso sin certezas sobre su circulación más allá de los festivales. El film expone con claroscuros la lucha de varios militantes del Partido Comunista contra la dictadura en España, centrado en la voz de uno de ellos -Álvaro Bolívar- interpretado por Pedro Casablanc, quien es encarcelado por años durante la dictadura por perpetrar un atentado y liberado post caída de Franco. Llorca pone el énfasis en la evolución del tiempo, establece un cauce dialéctico entre los militantes en la cárcel –interior – encierro y la realidad –exterior– sus familiares, los cambios políticos, la vida que continua. Plantea este dilema por momentos de modo coral y en otras avanza en el sujeto aferrado a una ideología que obra como sustancia férrea e inobjetable frente al paso del tiempo. Y lo hace con dos tempos bien marcados: una primera parte grisácea (la resistencia, la prisión), que registra minuciosamente la etapa del encarcelamiento y tormento de los partidarios comunistas y en otra algo más colorida, concisa, apenas esbozada, repara en algunos acontecimientos de los años setenta en España (el abandono del marxismo-leninismo en el PCE, la llegada de la democracia); enfrentando en el epílogo al anciano militante en la observación del mundo actual a través de la mirada de sus nietos y las luchas actuales (antiglobalización, ecologistas, etc.). Síntesis melancólica entre la evolución de una realidad a la que él ya no pertenece y su dogmatismo que no le permite interpretarla. El propio director exponía el conflicto del film en una entrevista concedida al periódico Diagonal: “¿Evolucionamos con la realidad hasta que llegamos a perder nuestras señas de identidad o seguimos aferrados a nuestra idea aunque no haya realidad a la que agarrarse?”



The Day

De la retrospectiva del cineasta alemán Uli M. Schueppel, presente en el festival, pudimos ver The Day (2007), película que reflexiona sobre el último día de vida de varias personas que fallecieran en Berlín. Algunos testigos cercanos de ese particular momento describen los detalles en off. Las imágenes registran los lugares- ahora inhabitados- donde sucedieran estos hechos, recorren y hurgan los espacios donde otrora vivieran Ana, Andreas, María, Roland, Constanze, Gunnar, Jeannette, Clemens, Heinz y Luca. Ellos ya no están, solo quedan las palabras para fijarlos en el tiempo y el recuerdo de algunos objetos. Film evocativo, plantea un recorrido visualmente poético ante las crudas revelaciones que en algunos casos invoca el relato, la obra intenta abordar el sutil límite trazado entre la vida y la muerte, se interroga anclado en la perspectiva que debe asumirse al tratar el tema de la ausencia en el espacio y el vacío que ella provoca.





You dont like the Truth: 4 days in Guantanamo

En competencia internacional, You dont like the Truth: 4 days in Guantanamo, (2010) de Luc Côté y Patricio Henríquez, está basada en un video secreto de siete horas de duración captado por una cámara de vigilancia en una celda de la cárcel de máxima seguridad de Guantánamo, Cuba y hecho público por los tribunales canadienses en 2008. El filme expone la historia del interrogatorio ocurrido en febrero de 2003 y al que es sometido durante cuatro días el ciudadano canadiense Omar Khadr. Según el gobierno de Estados Unidos, Khadr mató a un soldado de sus  Fuerzas Especiales en un enfrentamiento ocurrido en julio de 2002 en Afganistán. Omar tenía entonces 15 años. Tomando directamente parte del registro defectuoso de la cámara de seguridad nos exhibe el deterioro físico y psicológico del joven Khadr al enfrentar diariamente el repetitivo cuestionario del Servicio Canadiense de Inteligencia y Seguridad; esa humillante tortura psicológica a la que es sometido el menor es yuxtapuesta con los documentos y cartas oficiales de los gobiernos, los testimonios de familiares, ex compañeros de prisión, funcionarios, periodistas y abogados que intentar buscar fundamentos, un marco jurídico a la situación. La película da cuenta no solo de la terrible experiencia y vejamen del menor prisionero sino que pone en evidencia algo aún más vil que subyace: las variadas formas que la violencia misma puede asumir en la denominada lucha contra el terrorismo.



Free Radicals

    Free Radicals, una historia del cine experimental (2010) de Pip Chodorov, intenta dar un testimonio de buena parte de los cineastas que integraran aquel movimiento de vanguardia en la Nueva York de los años 60. Así el director recurre a valioso y abundante material de archivo (Richter, Nam June Paik, Andy Warhol), examina y entrevista a los principales exponentes del género: Stan Brakhage, Robert Breer, Ken Jacobs, Maurice Lemaître, Peter Kubelka, Michael Snow, Jonas Mekas, incluye los cortometrajes de Len Lye Free Radicals (1958) y Recreation (1956) del animador/escultor Robert Breer para ofrecer un panorama de las principales obras y postulados del género. La película es un sentido homenaje a la pulsión de creación de muchos artistas que prevalecen por fuera del circuito establecido.








Meeting Andrei Tarkovsky

    La premisa del film Meeting Andrei Tarkovsky (2008) de Dmitry Trakovsky resultaba interesante, al plantearse indagar el legado del realizador ruso en sus actores y colaboradores, sus huellas dispersas en ellos en una exploración personal guiada por una de sus más enigmáticas afirmaciones: “la muerte no existe”. Para eso se vale de la inmejorable posibilidad de viajar y entrevistar a la actriz de Nostalgia (1983), Domiziana Giordano, a su hijo  Andrei Andreevich Tarkovsky, al realizador y amigo Krzysztof Zanussi, al actor Erland Josephson y a Michal Leszczylowski editor de El Sacrificio (1986), entre otros.
   Pero aquí tal vez paradójicamente radique la mayor fragilidad que presenta la película: las entrevistas no resultan muy atractivas, los recuerdos caen en cierto manierismo; algunos entrevistados son filmados con cierta desprolijidad que conspira contra el film y se contraponen al preciosismo y rigurosidad del cineasta ruso, cuya poética permanece en penumbra en este documental. En su libro Esculpir en el tiempo, Tarkovsky destacaba una característica del cine: la capacidad de fijar el  tiempo. A partir de esta idea, el cineasta debe esculpir un bloque de tiempo para dejar al descubierto la imagen cinematográfica, frente a esta aserción el joven Trakovsky aún debe realizar un gran esfuerzo.



El mocito

    El mocito (2010) film chileno codirigido por Marcela Said Cares y Jean de Certeau narra los años en que Jorgelino trabajó como agente en los aparatos represores del gobierno militar chileno. El titulo alude al protagonista quien era el “mocito” que servia café a los superiores en plena sesiones de tortura, cargaba los cuerpos inertes y los trasportaba. Recientemente es acusado de la muerte de Víctor Díaz, Secretario General del Partido Comunista en 1976. Este hecho le da a Jorgelino la oportunidad de reflexionar en torno a su historia. El Mocito es el retrato psicológico de un hombre destruido por su pasado. Un hombre que participó en el horror y los crímenes de la dictadura militar y que hoy, al tomar conciencia de todo ello busca desesperadamente perdón y redención. La cinta impacta por su crudeza, por el patológico alejamiento del personaje que intenta colocarse como victima frente a los hechos en los que interviniera. La frialdad que Jorgelino exhibe al narrar, recordar y enumerar las situaciones que se sucedían en diferentes centros clandestinos de detención hace que el film remita a la Divina Comedia: Dante encuentra en el infierno a muchos personajes antiguos, pero también de su época, y cada uno de ellos narra su historia brevemente a cambio de que Dante prometa mantener vivo su recuerdo en el mundo; cada castigo se ajusta a la naturaleza de su falta y se repite eternamente.


La casa

    La casa (2012) –tercer film de la trilogía que compusieran El Árbol (2006) y Elegía de abril (2010) de Gustavo Fontán- ha sido uno de los puntos más altos del festival. Un film exploratorio, de sutil belleza, una delicada construcción de la inmaterialidad, reorganiza el espacio y el tiempo desde la materialidad del sonido. La casa como el emblema de lo familiar y el lugar donde vivieran sus padres, es ahora el sitio que ocupa la evocación, imagen espectro, velos, los fantasmas y recuerdos fluyen en recovecos plano tras plano, y es ésta alusión lo que constituye el cuerpo del film; mostrar lo que queda tras toda partida y la posterior decisión de registrar la demolición de la casa. Es el ámbito de la ausencia que debe ser como un viejo recuerdo extirpado de la memoria para dar lugar a nuevos recuerdos. Sin necesidad de recurrir a una sola palabra ni explicación, el mundo Fontán responde a la aserción de Vassili Grossman en La Madona Sixtina “El mundo entero—toda la inmensidad del Universo—revela la sumisión pasiva de la materia inanimada, sólo la vida es el milagro de la libertad”.



Anna Pavlova lives in Berlin

    El artificio del video vuelve en este caso en Anna Pavlova lives in Berlin (2011) de Theo Solnik: el film es un ejercicio auto indulgente, una oda en formato DM de la autodestrucción y retrato de Anna  –una inmigrante rusa mezcla de prostituta y artista con aires bukowskianos– y su deambular físico y moral por las calles berlinesas. Excesos, las consecuencias psicológicas de emigrar, el desarraigo, los conflictos familiares, el abuso de sustancias ilegales; finalmente el personaje se devora la angustia del retrato. Nadie sabe finalmente quien es Anna Pavlova; tal vez ese sea su mayor logro.







Hachazos

    Hachazos (2011), la película de Andrés Di Tella, bucea en el universo del cineasta experimental Claudio Caldini; reflexiona con y sobre él. Su vida/obra en formato súper 8 cabe en una valija de cuero hindú que transporta en un viaje en tren por los suburbios; en off el propio Di Tella acota: “Las imágenes de Caldini me hacen pensar que el cine puede ser otra cosa, vivir como se filma y filmar como se vive”, y es así como libera toda la fuerza contenida en las imágenes del film, intenta develar, proponer un posible recorrido por la vida de Caldini en un sentido retrato-homenaje del cineasta que fue y ya no es. La poesía del Pasolini y Las cenizas de Gramsci resuena como un eco lejano en esta película: “Entre los dos mundos, la tregua en la cual no estamos... elecciones, abandonos, otros sonidos no tienen que éstos del jardín acongojado”.





Buenas noches, España

    Buenas noches, España (2011), de Raya Martin, es un film que podría  inscribirse en la frase de Derrida “todo es relato y nada lo es”. Suena hasta absurdo pensar en abordar cinematográficamente la idea de la teletransportación; sin embargo, Martin lo hace valiéndose para ello de una pareja que recorre la geografía española desde el interior de un museo hasta carreteras, pero todo de un modo no narrativo emparentado con experiencias del video arte; aplicando para ello un flujo de imágenes alucinatorias sin aparente solución de continuidad: filtradas, sobrexpuestas, saturadas, viradas al azul o amarillo, en negativo; planos que se superponen una y otra vez como capas tonales pero con diferentes texturas. Raya se expresa con diversos formatos: video tradicional, video en HD, súper 8, animación. La imagen es contorsionada, se vuelve expansiva, maleable y por ende manipulable (reforzando el carácter aleatorio que conlleva lo digital); el sonido exacerba, se vuelve un chirrido que emula un acople que aparece y se desvanece. Es según el propio cineasta filipino “una película de carácter experimental compuesta por cinco episodios independientes que desarrollan cuatro temas: una historia de amor, el colonialismo de los españoles en Filipinas, los viajes -físicos, astrales o lisérgicos y el metacine”.
    El film de Raya Martin no es una mera experiencia lisérgica sino un acto de tensión, viene a plantear la imposibilidad de mantener hoy día la especificidad de lo cinematográfico frente al advenimiento del nuevo territorio digital, cada toma adquiere entonces el valor de un acorde musical: “en la música contemporánea, como un tejido fluctuante, los acordes no tienen  un valor o un significado fijo y estático, sino siempre variable según su disposición. Los focos o centros tonales, el contrapunto, la consonancia –disonancia, deben ser entendidos como estados en tensión o dialécticas en suspenso”. (1)


    En este estado de las cosas, el Marfici se asemeja al pequeño protagonista de la última película del realizador taiwanés Edward Yang, titulada Yi Yi (2000): el pequeño héroe de la película, Yang-Yang, fotografía la espalda de las personas con la expresa intención de darles una perspectiva diferente de la mirada de frente…



Notas
(1) Berg, Edgardo, Poéticas en suspenso, Biblos, 2002, p. 21.

FICHA TÉCNICA